Cuando vi el tráiler de Love, Death + Robots con visuales maximalistas y el remix de Matt Green de “We Are Legion” como fondo, me voló la cabeza. Ahora que invertí más de 200 minutos de mi tiempo en ver esta antología de cortos animados, puedo decir que no me arrepiento.
La serie compuesta por 18 episodios —de entre los 6 y 17 minutos de duración— se estrenó el 15 de marzo en Netflix. Fue creada por Tim Miller, fundador de Blur Studio y director de Deadpool (2016) y producida por David Fincher, director de Fight Club (1999) y Zodiac (2007).
Con escenarios cyberpunk, colores brillantes, texturas metalizadas y crítica social, los creadores dejan claro que les gusta la sátira violenta y la ciencia ficción sexualizada.
La animación de cada episodio cuenta con un estilo propio y la participación de 15 estudios diferentes. La diversidad de técnicas y conceptos me convenció de ignorar la debilidad narrativa de las historias (con algunas excepciones como Zima Blue y Good Hunting), y enfocarme a lo que veía en la pantalla.
Estos son algunos de los estudios, artistas y directores detrás de algunos de mis episodios favoritos (sin ningún orden específico):
“Zima Blue” – Passion Pictures
En este episodio, un incomprendido artista plástico esconde el secreto detrás de la motivación para su última obra. “Zima Blue” nos recuerda la belleza de lo simple, es un respiro de los gráficos intensos y complejos de los demás episodios y cuenta con una de las historias mejor logradas.
Las líneas tan particulares, el shading de los personajes y los escenarios caricaturescos me recordaron al Cartoon Network del 2000 y juraba que había sido diseñado por alguien con antecedentes en la televisión para niños.
Pero no. El artista encargado del concepto de personajes es Robert Valley, quien también lleva una relación artística con Gorillaz y dirigió el video de “Murder One” de Metallica.
El diseño de máquinas y escenarios son propiedad intelectual del mexicano Patricio Betteo. Su talento para iluminar mundos ficticios lo llevó a trabajar al lado de Valley y la combinación fue lo mejor que le pudo haber pasado a la antología.
Aquí el Instagram de Robert Valley y Patricio Betteo.
“The Witness” – Pinkman.TV
En “The Witness”, una bailarina exótica es testigo de su propio asesinato y ahora huye por las calles de una ciudad neón.
Parecería que el capítulo es un pretexto para abusar de la violencia sexualizada —un artículo de Digital Spy lo acusa de crear un ambiente desequilibrado para el personaje femenino—, pero crear algo tan fascinante que no podamos mirar hacia otro lado es el punto.
Si el diseño de los personajes les parece familiar es porque Pinkman.TV ha colaborado con Gorillaz en la dirección creativa de sus shows en vivo. Es una integración compleja de 3D y captura de movimiento que refuerza el concepto artístico del español Alberto Mielgo.
Aquí el Instagram de Alberto Mielgo.
“Fish Night” – Platige Image Studio
Alguien me había dicho que este era el mejor corto de la serie. Me imaginaba una propuesta de western filosófico por lo que me habían contado, pero los 10 minutos que dura no fueron suficientes para tapar los plot holes. Justo a esto me refiero con la debilidad narrativa de Love, Death and Robots.
Pero los visuales son un poema cel-shaded. La dirección de arte de Rafał Wojtunik es mezcla de un 3D que parece 2D, tira de cómic y cuento japonés que utilizó también en la película Another Day of Life (2018).
Aquí el Instagram de Rafal Wojtunik.
“Beyond the Aquila Rift” – Unit Image
Una nave espacial fuera de curso termina en un destino demasiado bueno para ser verdad. Es como un Matrix galáctico.
Hay una escena en particular que me hizo poner pausa para apreciar los detalles artísticos del episodio, es por eso que figura en mi lista. La historia es bastante buena, un sci-fi de horror que podría ser la trama de algún videojuego.
Paul Chadeisson, director de arte, tiene un historial bastante parecido al episodio. Participó en Blade Runner Black Out 2022 y Mute (2018), otra producción de Netflix que comparte el estilo de ciencia ficción neo-noir.
Aquí el Instagram de Paul Chadeisson.
“When the Yogurt Took Over” – Blow Studios
Desde que leí el título, era el episodio que más esperaba. No hay nada mejor que ver a personajes sin cuello sucumbir ante el poder político de un yoghurt.
La sátira que tanto le gusta a Tim Miller tenía que explotar en algún momento. When the Yogurt Took Over no es más que una crítica sociopolítica disfrazada con el 3D brusco y divertido, parecido a un juego de Wii, de Blow Studio, que también es responsable del episodio Three Robots de la serie.
Aquí el Vimeo del estudio.
“Alternate Histories” – Sun Creature Studio
En “Alternate Histories” vemos un software que puede demostrar lo que sucedería si ciertos eventos en la historia fueran diferentes, como la muerte de Hitler.
Sin duda el capítulo con la propuesta más interesante en cuanto a historia (no pun intended). Está basado en un cuento escrito por John Scalzi, ex-presidente de Science Fiction and Fantasy Writers of America (Sí, eso existe).
La animación no es tan ambiciosa como el CGI. Sun Creature Studio se ha dedicado a este tipo de visuales simples, de hecho, han trabajado con Cartoon Network en el pasado, y no tienen intenciones de obsesionarse con imitar a la realidad.
Aquí el Vimeo del estudio.
https://www.instagram.com/p/BvAXwkblOUt/
“Sonnie’s Edge” – Blur Studio
En el primero capítulo de la entrega vemos criaturas que pelean en una arena mientras son controladas telepáticamente por gladiadores futurísticos. Este episodio estuvo a cargo del propio Tim Miller, de Blur Studio.
La técnica foto-realista y altamente estilizada fue lograda con la aplicación de V-Ray, un motor de renderizado de imágenes generado por computadora, constante en la mayoría de los capítulos.
El IMDb de este corto en particular está repleto de reviews de usuarios sedientos de una serie completa. Los monstruos hiperrealistas abrieron el foro sobre el uso de motores de render de videojuegos para proyectos como este.
Aquí el Instagram del estudio.
Sigue y recomienda más series a Paola:
